La revuelta egipcia llega al Museo del Cairo.

Adan y Eva vuelven a las salas centrales del Prado

Publicado en El País
Ángeles García

Todos los grandes museos del mundo tienen un puñado de obras maestras ligadas a su nombre. El Prado, rico en joyas insuperables del arte antiguo, tiene en los retratos de Adán y Eva de Durero una de sus piezas señeras. Confinadas en el taller de restauración del Prado durante los dos últimos años para ser sometidas a una delicada intervención de restauración , las dos obras han vuelto hoy a las galerías centrales del museo con un aspecto similar al que les dio Alberto Durero, el artista más importante del Renacimiento alemán, en 1507. Las obras, que durante cuatro meses se mostrarán fuera de su emplazamiento habitual, se exhiben ahora en la planta baja junto a una pequeña sala presidida por el espectacular autorretrato de Durero, en la que se puede seguir el trabajo de restauración paso a paso.

Donde antes había grietas, agujeros, sucios barnices o polución, ahora se vuelven a mostrar dos figuras que representan el canon de belleza ideal según Durero. Los colores originales con reflejos plateaos, vuelven ahora a resplandecer como cuando fueron pintados.

Dos expertos mundiales en restauración de tablas, JosédelaFuente,del Museo del Prado,yGeorge Bisaca,delMetropolitan deNuevaYork, han recuperado los soportes estructurales de la obra. Ayer, en el Auditorio del museo, recordaban que en todo el mundo no hay más de diez especialistas en el oficio que ellos dominan y que el trabajo realizado ha sido especialmente complicado en el caso del retrato de Adán ya que la tabla había sido agujereada en varios puntos. Responsables también de la recuperación de la tablas de El descendimiento de la cruz, de Roger Van der Weyden o El Jardín de las Delicias de El Bosco, afirmaron que nunca se habían enfrentado a un trabajo tan complicado como el que representaban las piezas de Durero.

Mayte Dávila, restauradora del museo desde hace 35 años, contó que desde el siglo XVIII , las dos tablas habían sufrido terribles restauraciones consistentes en sucesivas capas de barnices y repintes. "Ver ahora los tonos ámbar de Eva o los plateados de Adán, suponen un momento de felicidad".

Gabriele Finaldi, director adjunto del museo, explicó que este trabajo ha sido posible por la colaboración entre el Prado, el Metropolitan de Nueva Yorky laFundaciónGetty. La restauración se planteó en 2004 en una reunión de expertos internacionales, aunque hasta 2.008, no comenzaron losa trabajos. El montaje de la presentación de las obras restauradas ha sido patrocinado por Iberdrola, entidad que ayer firmo en el museo un acuerdo de colaboración.

El Museo Provincial de Huelva, pionero en arqueología en 3D

Publicado en Huelva Información
I. Gallego

Huelva se reveló como una de las ciudades veteranas de Occidente cuando hace cuatro años se halló al Norte del municipio un depósito de ídolos con más de 4.500 años de antigüedad. Una treintena de iconos de deidades prehistóricas, que los expertos han estado investigando desde entonces y ahora sirven de revulsivo a la vanguardia de la arqueología y, entre otras aplicaciones, la recreación de vitrinas virtuales.

El Museo Provincial de Huelva ha realizado durante el mes de septiembre un proyecto de desarrollo tecnológico en colaboración con la empresa Ánfora, la Universidad de Huelva y el Centro de Innovación y Tecnología FAICO, que ha actuado como consultor tecnológico. La iniciativa ha consistido en la digitalización tridimensional de algunos de referidos ídolos cilíndricos que forman parte de la colección del Museo, una de las más relevantes en el contexto nacional.

Estas singulares estatuillas, localizadas en las excavaciones realizadas por el Grupo Ánfora en 2006 en el yacimiento La Orden-Seminario, fueron objeto de una exposición monográfica en el Museo Provincial -que, además, el pasado mes de diciembre organizó un simposio para su presentación a los investigadores nacionales-, y han figurado en diversas publicaciones españolas y extranjeras.

La financiación que ha hecho posible las actuaciones que ahora se desarrollan se ha aportado a través de proyectos de I+D liderados por FAICO y Ánfora, que han contado en todo momento con la cooperación del Museo para desarrollar unas iniciativas pioneras en Andalucía.

Los ingenieros han trabajado en una réplica digital de las piezas halladas en El Seminario. "Con este proceso -explica Marcos Prieto, director de Innovación y Tecnologías Industriales de FAICO- podemos disponer de toda la información tridimensional del objeto para su posterior tratamiento en CAD y sus múltiples aplicaciones: estudios metrológicos, museo virtual, réplicas físicas..."

Una de las características del proceso empleado consiste en "la inocuidad completa del mismo, ya que se utiliza luz blanca estructurada, una técnica que no implica contacto con las piezas tratadas, siendo una técnica absolutamente segura para el tratamiento del patrimonio histórico. Todos los trabajos se realizan en coordinación con los restauradores y los técnicos de Ánfora. El resultado obtenido es una malla de puntos distanciados 25 micras entre sí, a partir de los cuales se genera la superficie y, consecuentemente, el volumen tridimensional", precisa Prieto.

Es la primera vez que se aplican estas novedosas técnicas sobre el patrimonio arqueológico andaluz. Se trata sólo del comienzo de una serie de proyectos que el Museo Provincial, Ánfora y FAICO pretenden desarrollar en el futuro. En este horizonte, entre otras cuestiones, se encuentra la creación de un museo virtual "exponiendo al público -explican- piezas de gran interés de los fondos del Museo que en escasas ocasiones pueden ser disfrutadas por los visitantes".

Cer.es Red Digital de Colecciones de Museos de España

Leo en Aragón Romano, que se acaba de presentar la digitalización de las colecciones de algunos museos aragoneses, dentro del proyecto Cer.es

Como el proyecto parece interesante. Busco Cer.es en Google y he aquí lo que encuentro en la web del Ministerio de Cultura: CER.ES (Coleeciones en Red) es un catálogo colectivo en línea, que reúne información e imágenes de una importante selección de los bienes culturales que forman las colecciones de todos los museos integrantes de la Red Digital de colecciones de Museos de España. CER.ES permite realizar búsquedas generales y avanzadas en todos los museos o en una selección realizada por el usuario. Es posible consultar en el catálogo de cada uno de los museos o en una o varias agrupaciones por tipología de museo, ubicación geográfica o titularidad.

La red Digital de Colecciones de Museos de España reúne museos de distintas especialidades, de diversos ámbitos temáticos y geográficos, y de diferentes titularidades, pública y privada, con el objetivo de hacer accesibles en línea contenidos digitales sobre sus colecciones y crear un espacio de difusión del conocimiento sobre las mismas. Estos museos tienen en común el ser usuarios del Sistema Integrado de Documentación y Gestión Museográfica Domus, desarrollado por el Ministerio de Cultura y utilizado actualmente por más de 120 museos.

Es decir, 12o museos de todo tipo han creado una gran base de datos con sus catálogos colgados en línea y nos dan libre acceso desde aquí. Alucinante!

José María Bello Diéguez: «Es mucho mejor tener un Parque do Megalitismo imperfecto que no tener nada»

Publicado en La Voz de Galicia
M.V.

El arqueólogo y director del museo del Castillo de San Antón, en A Coruña, José María Bello Diéguez, se mostró ayer encantado de que, por fin, se haya retomado el proyecto del Parque Arqueolóxico do Megalitismo. Todavía no conoce al detalle los planes de Patrimonio Cultural, pero se muestra seguro de que «harán algo sensato». Ahora, dice, es el momento «de aunar esfuerzos, de apoyar el proyecto, porque cualquier cosa será mejor que lo que hay ahora, que es nada, un abandono total de los monumentos megalíticos de la Costa da Morte».

-El proyecto que ha salido a exposición se marca como objetivo preservar los monumentos megalíticos de la comarca.

-Eso es lo fundamental y es maravilloso que un proyecto que lleva tantos años en la trastienda por fin sea impulsado de nuevo. No conozco el proyecto, pero estoy convencido de que lo están elaborando con sensatez y que al final saldrá algo positivo. En cualquier caso, es mucho mejor tener un Parque do Megalitismo imperfecto que no tener nada.

-¿No llega demasiado tarde?

-Nunca es demasiado tarde si finalmente llega. La Costa da Morte posee una riqueza megalítica tremenda que ahora sufre un total abandono. La comarca tiene una de la mayor concentración de dólmenes de corredor de toda Galicia y en general están muy bien conservados o es muy fácil recuperarlos. Lo que hay que hacer es no esperar más.

-¿Qué explicación podría tener tal concentración de dólmenes en una zona tan concreta?

-Los dólmenes fueron en la época megalítica lo que las catedrales en la Edad Media, señalaban donde estaba la riqueza y la pujanza social. Durante el megalitismo la Costa da Morte debió de ser una zona socialmente mucho más articulada que cualquier otra, un lugar con mucho poder, la vanguardia del momento. Lo que demuestra que la elección de la Costa da Morte para hacer el Parque do Megalitismo ha sido muy sensata.

-Quizás también sería un buen lugar para hacer un museo del megalitismo.

-No lo creo, porque un museo no es un escaparate sin más, sino una exposición viva que requiere la puesta en marcha de instalaciones muy complejas y caras de mantener. La muestra es que en Galicia ya hay muchos museos y, salvo excepciones, están muy mal dotados. Hay otras soluciones, como centros de interpretación o muestras itinerantes que sí serían interesantes en el caso del Parque do Megalitismo. La moda de los museos puede provocar auténticas barbaridades.

"La armadura era más importante que la pintura en el siglo XVI"

Publicado en Hoyesarte
Enrique del Río

Álvaro Soler del Campo es conservador de la Real Armería de Patrimonio Nacional y comisario de la exposición El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte, que acaba de inaugurar el Museo del Prado, un original proyecto donde se establece una comparación entre los retratos de corte pintados por maestros como Tiziano, Rubens o Velázquez y las armaduras que sirvieron de modelo para los cuadros donde se ofrecía una imagen poderosa de los reyes de la Monarquía Hispánica.

¿Cómo nace la idea de exponer las armaduras originales junto a las pinturas en las que aparecen reflejadas?

La exposición nace de un proyecto entre Patrimonio Nacional, la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y la National Gallery de Washington, pero, en principio, iba dirigido a tratar el tema de las armaduras y las pinturas en las colecciones españolas desde un punto de vista muy dirigido al público estadounidense. Entre otras cosas, la muestra tuvo allí una introducción histórica que aquí no tiene. Hacer este proyecto en el Prado, teniendo a la Real Armería tan cerca y en la misma ciudad, nos permitía juntar absolutamente todo lo que tiene relación, todos los puntos en común entre ambas artes. La conjunción de elementos que hay aquí, apoyado con piezas de otras colecciones que considerábamos importantes para apoyar el discurso, es única y no sé si algún día se podrá volver a repetir.

¿Ha existido algún proyecto similar antes de esta exposición?

Las armaduras y las pinturas han convivido en casos muy esporádicos. En muy contadas ocasiones. En cualquier caso, nunca se había realizado una monográfica de armaduras y pinturas que haya tratado dos colecciones con el mismo origen, porque hay que pensar que ambas estuvieron juntas durante 300 años y que se trata de volver a unir lo que un día se separó.

¿Qué valor añadido tiene que se pueda comparar la armadura real con su representación en la pintura?

En realidad, tiene dos valores, según se mire desde el punto de vista de las armaduras o de las pinturas. Empezamos a trabajar con la pintura, entre otras cosas, porque nos proporcionaba información sobre cosas que se habían perdido en las armaduras. Eso es muy importante: la pintura tiene un valor documental. Por otro lado, el hecho de que la armadura aparezca en la pintura, y esto es válido para las dos colecciones, ejemplifica la importancia que le daban los contemporáneos y las personas que las encargaban. Es decir, Carlos V en Mühlberg se representa con fidelidad a la armadura de Mühlberg, por lo tanto, ambos están conmemorando un hecho político, lo que da la medida del rango que tenían en su época como objetos conmemorativos ligados al aparato de propaganda de la monarquía.

Y respecto a la pintura…

Desde el punto de vista de la pintura, el hecho de poder identificar una armadura determinada que sabemos que participó en un hecho político concreto le está dando un nuevo valor al cuadro. Le concede una carga histórica añadida. También permite ver cómo trabajaban estos pintores, cómo Tiziano se enfrentaba a una armadura de la Colección Real, o cómo lo hacían Rubens, Velázquez… porque no todos los pintores lo hacían igual. Mostrar pinturas y armaduras en paralelo permite hacer reflexiones en paralelo y se enriquecen mutuamente.

¿Qué importancia tenía la armadura en la época?

En el siglo XVI, la importancia de la armadura era clarísimamente superior a la de la pintura; en pleno Renacimiento no hay ninguna duda. Existe una razón muy simple. Las armaduras son, al fin y al cabo, obras que ellos llevaban y que estaban decoradas de una forma muy determinada, que transmitían su poder, la historia de su familia y todos los modelos de la antigüedad clásica o del cristianismo a los que se querían parecer. Para ellos, la armadura estaba por encima de todo y llegaron a ser los objetos que mejor representaban el poder de la persona que la llevaba. Desde ese punto de vista, eran muchísimo más importantes que la obra de cualquier pintor.

¿Los pintores se llegaban a sentir intimidados al representar las armaduras en sus lienzos?

No. Creo que era mutuo el respeto entre armeros y pintores. Pintores como Alberto Durero o Giulio Romano trabajaron haciendo patrones decorativos para las armaduras de los Habsburgo, diseñan armaduras... Esta exposición se abre con uno de los escudos, un retrato de Carlos V, cuyo dibujo hizo Giulio Romano, así que un pintor está proporcionando el motivo decorativo de una armadura. Se tienen un respeto mutuo, lo que pasa que es mucho más costoso elaborar una armadura que pintar un lienzo.

Maximiliano I fue el primer monarca que se dio cuenta de que la armadura podía servir para algo más y ser utilizada como objeto de propaganda. ¿Cómo se llega de la nada a esa idea?

Maximiliano fue educado en la Corte de Borgoña y durante todo el siglo XV los torneos eran muy importantes en la vida diaria de la Corte. Esa mentalidad caballeresca heredada de la Edad Media alcanza su máximo apogeo en este momento, aunque, al mismo tiempo, empieza a morir. Toda esa mentalidad se traducía en estos juegos y él es educado en esa mentalidad. Sin embargo, también es el primero que se da cuenta de que, a diferencia de lo que ocurre con una armadura sin decorar, que aún así eran muy espectaculares, si, además, la decoras podías transmitir una serie de mensajes a tus contemporáneos. Maximiliano empieza a decorar sus armas poniendo el Toisón de Oro y añadiendo un águila en las superficies de sus cascos e, incluso, en las cabezas de sus caballos. A partir de ahí se da cuenta de que igual que soporta eso, una armadura también soporta motivos referentes a la antigüedad clásica y a la tradición cristiana que se refieren a los héroes de la antigüedad, de la Biblia, motivos que hablan de la virtud que ha de tener un gobernante: ser justo, de carácter templado… se dio cuenta, en definitiva, de que podía transmitir un mensaje con su armadura.

¿Fue la moda de la época?

Los temas que aparecen en las armaduras son, en realidad, similares a los que ahora lleva un chico que lleva una camiseta de Los Ramones y que se diferencia de otro que pone Flower Power, uno puede ser hippie, el otro heavy y para un contemporáneo esas lecturas son inmediatas. Eso es lo que ellos intentaban transmitir. Al mismo tiempo, hay una vinculación muy importante entre las armaduras y el vestido contemporáneo, todas esas fajas grabadas no hacen más que imitar los trajes de corte de tela. Es moda en acero. Están transmitiendo a la armadura todo lo que es la moda contemporánea. Aunque pueda sonar a chiste, es como si en la Pasarela Cibeles ves a una modelo con un traje de camuflaje, una cosa que empieza siendo militar y que es militar pasa a la alta costura, esto es igual, la armadura tiene exactamente la misma lectura.

¿Qué espera que cambie en la conciencia del espectador tras ver la exposición?

En Washington la reacción fue muy buena. Tuvimos 250.000 visitantes. Aquí, en Madrid, sería feliz si el público se lleva la idea de que las principales pinturas conmemorativas o representativas de lo que es la historia del arte europeo en el Renacimiento y vinculadas a la Monarquía Hispánica tienen detrás un objeto que en la realidad existe, no que existió, sino que existe. Tanto uno como otro remiten a unos hechos muy importantes en la historia de nuestro país y de Europa.

Madrid. El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte. Museo del Prado.

Del 9 de marzo al 23 de mayo de 2010.

Comisario: Álvaro Soler del Campo, conservador jefe de la Real Armería de Madrid (Patrimonio Nacional).

Un libro recuerda la faceta educativa de Luis Diego Cuscoy

Publicado en El Día

Miguel Ángel Clavijo Redondo, Manuel Ferraz Lorenzo y Juan Francisco Navarro Mederos son los autores del libro "Luis Diego Cuscoy, maestro y teórico de la educación", un volumen en el que se saca a la luz la faceta menos conocida del fundador del Museo Arqueológico de Tenerife como fue la educativa.

A lo largo de las más de doscientas páginas del libro, editado por el Instituto de Estudios Canarios, los autores profundizan en la figura de Cuscoy rememorando su etapa como maestro. Uno de los directores de este proyecto, Miguel Ángel Clavijo, explicó que "Luis Diego Cuscoy fue un maestro republicano, un hombre de izquierdas, que lo pasó muy mal en la Guerra Civil debido a su ideología". En este sentido, Clavijo señaló que "el arqueólogo fue un hombre de vocación didáctica, entusiasta de la educación que vio su proyección docente truncada tras la victoria de los nacionales".

Cabe destacar que la edición rescata el texto "Leyendo islas", un documento que recoge el primer método completo de lectura que incluye palabras canarias y que data de principios de los años cuarenta.

De hecho, Clavijo detalló que en aquel momento la Falange en Canarias le dio el visto bueno, aunque el ministerio se negó a su publicación. A este respecto, el autor detalló que "conseguimos el único ejemplar que quedaba y lo incluimos en este volumen".

En el libro se han intentado recoger todos los escritos publicados de Luis Diego Cuscoy, incluyendo los textos aparecidos en La Prensa, medio de cuya fundación se cumple un siglo este año.

Para Clavijo, Luis Diego Cuscoy es "formidable", no sólo como arqueólogo, sino como "escritor y poeta", por lo que se ha tratado de "rescatar su legado intelectual en este libro para que no se pierda".

El autor explicó que la presente obra constituye el segundo tomo de una colección de seis fruto de un proyecto emprendido junto a Juan Francisco Navarro Mederos. Clavijo avanzó que el próximo volumen se publicará a mediados de año y ofrecerá una recopilación de diversos artículos referidos a su labor como arqueólogo.

La edición ha contado con el patrocinio del Ayuntamiento de La Laguna, el Organismo Autónomo de Museos y Centros del Cabildo de Tenerife y la Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas del Gobierno canario.

Miguel Cortés Sánchez: «Tenemos un enigma en un puñal de la Edad del Bronce»

Publicado en La Opinión de Málaga
Fran Extremera

Más que el primer museo prehistórico que se abre al público en la Costa del Sol más oriental, que lo es el de Frigiliana, las nuevas instalaciones situadas junto a la oficina de turismo de la localidad poseen entidad por sí mismas al acoger un elemento decisivo para desvelar el pasado industrial de la Costa del Sol. Miguel Cortés Sánchez, director del nuevo espacio museístico, inaugurado hace apenas unos días, confirma las últimas hipótesis respecto a las investigaciones que desarrolla el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC).

–¿Qué enigma ha traído a los expertos españoles más importantes en la Edad del Bronce hasta el recinto que acaban de abrir?
–En Frigiliana hay un yacimiento de esa etapa prehistórica realmente importante. En concreto, un puñal que ha sido analizado en Madrid con las últimas técnicas en láser ha dado pie a muchos interrogantes. Investigadores llegados de la capital de España, Barcelona y Valencia, así como otros de la Universidad de Málaga, se han interesado en una fibra microscópica que corresponde al lino y que ha quedado fijada de forma fosilizada sobre el propio metal. Este material pone sobre el tapete la posibilidad de que hubiese una producción local de lino, con lo que ello significa. Estamos ante un material que era por entonces suntuoso y que ha quedado bien conservado, aunque sea de forma microscópica.
–¿Es entonces el elemento estrella de lo que se expone en las nuevas instalaciones del museo que usted dirige?
–Poseemos un abanico de puñales, desde esa época prehistórica al periodo nazarí, del que poseemos una daga muy buena, de manera que el visitante va a poder recorrer todos los periodos desde la Prehistoria hasta el siglo XIX de forma excepcional. Pero albergamos un plan de investigación que puede deparar más objetos de interés en los próximos años. Por ejemplo, también mostramos vasijas de origen fenicio de la zona conocida como Cerrillo de las Sombras, muy bien conservadas y cedidas por la familia Navas.
–¿Desde cuándo hay constatados asentamientos humanos en Frigiliana?
–Al menos hay ocupación desde hace 6.000 años. Debemos aclarar que estamos en una ladera de unos 400 metros de altitud sobre el nivel del mar, pero a escasa distancia del mismo. De ahí que este enclave fuese una vía de tránsito ancestral hacia el interior. En periodos prehistóricos la movilidad del hombre se hacía por cañadas y veredas. Frigiliana no dejaba de ser un hito más de la población de entonces, en un entorno donde hay muchos otros yacimientos.
–¿Cómo está ideado este nuevo espacio para aquellos turistas que son amantes de la historia ?
–Pues pensando precisamente en ellos. Hemos partido de un estudio previo de visitantes. Hemos adaptado el material que teníamos para exponer al hecho de que el 60% de los visitantes de la oficina de turismo, situada en este mismo recinto, son de origen foráneo. Así nos planteamos mostrar un recorrido por la historia, sin centrarnos demasiado en el marco geográfico concreto de Frigiliana. Cualquier persona se debe sentir aquí identificada desde ese punto de vista.
–¿Y cuál es la distribución de sus salas expositivas?
–Después de huir del dato concreto, sin olvidar que se han instalado paneles donde conocer cómo ha evolucionado Frigiliana desde la Prehistoria, trazamos un recorrido común a cualquier ser humano en la sala principal, de carácter permanente, mientras que en una sala temporal damos visiones complementarias sobre la historia y otros aspectos culturales que sean de interés.

La joya de Goikolau

Publicado en El Correo Digital
Jon Fernández

Cuentan los libros de historia que en la Edad de Bronce era habitual la inhumación colectiva en una cueva. El ritual consistía en depositar el cadáver sobre el suelo y abandonarlo junto a su ajuar, preferentemente en zonas apartadas de la cavidad. En Andalucía y Extremadura aparecen a menudo múltiples restos de esta práctica funeraria, pero en el País Vasco son toda una rareza. Uno de los yacimientos arqueológicos más fértiles es la cueva de Goikolau, enclavada en la localidad vizcaína de Berriatua. De allí se han recuperado múltiples materiales cerámicos y numismáticos, así como puntas de flecha y elementos de adorno. La pieza más codiciada es un collar datado en el año 2000 a. C. que se expone desde ayer en el bilbaíno Museo de Arqueología.

Localizada en los años ochenta durante una excavación encabezada por Carlos Basas, la joya inaugura un nuevo programa de divulgación de los contenidos del complejo de las Calzadas de Mallona bautizado como 'El museo pieza a pieza'. ¿El objetivo? Presentar a los ciudadanos «los elementos más interesantes o llamativos» de las instalaciones, según informaron en el departamento de Cultura de la Diputación.

El 'Collar de Goikolau' protagonizará la iniciativa hasta el 13 de diciembre y se convertirá así en la estrella del museo durante un mes. La extraordinaria pieza se compone de 110 cuentas de formas diversas (discoidales, cilíndricas y globulares) y tamaño poco variable. Ninguno de los fragmentos excede de un centímetro de diámetro. Casi todas presentan un grado de conservación «satisfactorio» y ofrecen una amplia gama de tonalidades verdosas, detallan los responsables del recinto. Emula al camaleón: cambia de color según la ocasión. El público ya puede disfrutar de ese efecto óptico.

El yacimiento de Goikolau fue localizado en 1935 por José Miguel de Barandiarán, quien recuperó materiales arqueológicos dispersos en dos zonas del suelo de la cueva. No fue hasta treinta años más tarde cuando se documentó que había, además de la necrópolis, un conjunto de grabados parietales.

El nuevo Museo de la Acrópolis abre sus puertas mirando al Partenón

Publicado en ABC
Begoña Castiella

El próximo sábado, el presidente de la República griega, Carolos Papulias, ante varios Jefes de Estado y Gobierno y muchas personalidades internacionales, inaugurará en Atenas el nuevo Museo de la Acrópolis, situado en las faldas de la colina donde se encuentra el conjunto arquitectónico que incluye, entre otros tesoros del arte universal, los templos del Partenón, el de Atenea Victoriosa y el Erecteión. Se trata de un edificio de cristal y hormigón diseñado por el arquitecto suizo Bernard Tschumi y su socio griego Mijalis Fotiadis, con luz natural que entra por sus paredes de cristal. En total, varios pisos en equilibrio sobre las excavaciones de restos arqueológicos de la ciudad de Atenas de distintos siglos antes de Cristo. El presidente del organismo del nuevo museo es el destacado arqueólogo Dimitis Pandermalis.

La idea de crear un nuevo museo para las esculturas de mármol de la Acrópolis viene de lejos, tras comprobarse que el museo que se encontraba a pocos metros del Partenón -y construido a escala reducida adrede- se había quedado muy pequeño. Pero fue Melina Mercuri, la artista convertida en apasionada ministra de Cultura con el socialista Andreas Papandreu, quien convirtió la idea en un proyecto, convocando un concurso internacional en 1989 para construir el nuevo museo.

Melina Mercuri estaba empeñada en conseguir que regresaran a Grecia los denominados Mármoles de Elgin, aquellos que el séptimo Lord Elgin, embajador entre 1799 y 1803 ante la Sublime Puerta (es decir ante el imperio otomano, con capital en Constantinopla) mandó serrar y arrancar del Partenón. Después de muchas peripecias (incluido un naufragio), estos mármoles acabaron en su finca inglesa y finalmente la Corona los compró en 1816 por 35.000 libras esterlinas. Fueron expuestos en el Museo Británico nada menos que 56 de los 94 paneles del Partenón esculpidos por Fidias que se conservan (36 están en Atenas), 15 paneles de las metopas (sobre la batalla entre Lapitas y Centauros), 17 estatutas de los pedimentos del lado este y oeste, una Cariátide y una columna del Erecteión, varias partes del Templo de Atenea Victoriosa y otros fragmentos.

Melina Mercuri

El concurso internacional convocado en época de Melina Mercuri tuvo un ganador: un equipo italiano, pero con las labores de excavación de los cimientos se descubrieron importantes vestigios arqueológicos. El proyecto no era viable sin importantes cambios. Entraron los arqueólogos, que paralizaron las obras, hubo una nueva polémica para cambiar de sitio el proyecto... y finalmente fue aprobado tras un último concurso el proyecto de Tschumi, que vive habitualmente en Nueva York, con su socio griego Mijalis Fotiadis, comenzando las obras en noviembre de 2004. El lugar elegido por el Estado es una manzana situada cerca del edificio Weiler, un antiguo hospital militar en el que ahora se encuentran las oficinas del Departamento Arqueológico (Eforato) de la Acrópolis, a pocos metros del paseo peatonal de Dionisio Aeropagita.

Ahora, el visitante disfrutará de un edificio moderno y muy oscuro por fuera, de cristal y hormigón gris pulido, sobre las excavaciones que se pueden admirar mirando al suelo, ya que están protegidas por vidrios (y en el futuro se podrán visitar). La entrada, un atrio con tienda y otras instalaciones, incluyendo un auditorio, recrea la idea de subir la colina de la Acrópolis siguiendo el trayecto antiguo de las fiestas dedicadas a la diosa Atenea.

En la rampa de subida se ven partes de distintos santuarios, y en un palco a las Cariátides, incluyendo una copia de la británica. Y unos metros después, una sala abierta con columnas y paredes de cristal y las mejores obras de la escultura clásica. A escala humana y con luz natural, una maravilla.

Muros acristalados

Y, subiendo aún más, otra sala, esta vez alineada no con la calle peatonal, sino con el propio Partenón y con las mismas dimensiones que el templo, con los magníficos frisos, parte original y parte copias exactas de las británicas. El visitante se sobrecoge viendo la perfección de los relieves esculpidos . Y los muros son cristales que permiten ver la Acrópolis a vuelo de pájaro.

Tschumi dejó bien claro que él no estaba interesado en hacer una copia mala del Partenón, sino un edificio del siglo XXI con un nivel de perfección parecido. El resultado es espectacular, aunque choca con el resto de las casas de la zona, unas casas de pisos mas bien feas. Lo que más luce desde la terraza es la Cancillería de la Embajada de España, un edificio neoclásico restaurado. Y debido a la crisis, las fiestas previstas para la inauguración se han reducido notablemente. Los griegos, empezando por el ministro de Cultura, Andonis Samaras, esperan que este museo y su exposición permanente de esculturas de la Acrópolis ayuden al regreso de las piezas de Londres.

Con este museo la polémica sobre la devolución de obras de arte a su lugar de origen continúa.

El Museo Arqueológico de los Baños dispone de una nueva página web

Publicado en Murcia.com

El Ayuntamiento de Alhama de Murcia ha presentado a través de la Concejalía de Cultura la nueva página Web del Museo Arqueológico de los Baños

El edil de Cultura, Jesús Basauri, ha presentado en dicho Museo esta página cuyo acceso web es www.museolosbañosalhamademurcia.es, agradeciendo de antemano el trabajo y el esfuerzo de todos los técnicos de la Concejalía de Cultura que han logrado la creación de dicha página web sin apenas suponer coste.

La página contiene numerosas imágenes y contenidos con el fin de que el visitante de la página pueda conocer el museo sin visitarlo en persona.

También varios enlaces como el de “Edificio” en el que se hace un pequeño recorrido por la historia de dicho museo informando sobre todo su contenido romano como las temas, los baños islámicos, el jardín, etc…Otro enlace es el de las “Exposiciones” en que se los visitantes se pueden informar de todas aquellas exposiciones que va a abarcar el Museo con su fecha de inauguración hasta la fecha de finalización. Además hay un enlace de “Actividades” que informa de todas aquellas actividades que se desarrollan en el museo aparte de las exposiciones como son los recitales, conferencias, etc…También posee un enlace denominado “Galería” en el que el navegante podrá observar todas las imágenes mediante fotos de los actos desarrollados en el Museo. Por último existe un enlace de “Contacto” con la dirección completa, teléfonos y con la posibilidad de que los interesados envíen cualquier tipo de sugerencia con el fin de que el Museo pueda seguir trabando para mejorar.

Las "Jornadas sobre turismo cultural y museos" reclaman un mayor esfuerzo en la inversión pública

Publicado en Infonorte digital

El proyecto Turismo Cultural y museos que impulsó el Cabildo grancanario a través de su Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico y Cultural y el Patronato de Turismo, acaba de hacer públicas las conclusiones de las cuatro jornadas celebradas con la intención de facilitar un diálogo entre turismo y museos que favorezca la posibilidad de compartir un marco común comprensible de intercambio en las relaciones entre ambos imprescindible para el desarrollo de acciones conjuntas futuras.

El proyecto ha incidido el la necesidad de creación de un observatorio sobre la industria del turismo en Canarias, con la finalidad de que se puedan establecer desde dicho organismo un diagnóstico de las carencias que no están facilitando la adecuada gestión de los recursos culturales, en especial de los museos y espacios de patrimonio. “Que sirva para crear y pensar en la innovación de estrategias, medios, información, formación y recursos. Y, en el desarrollo paralelamente de acciones necesarias en las que coincidan tanto la conservación y la difusión del patrimonio con la mejora en la calidad de la oferta de ocio y cultura de la actividad turística considerando las características de la demanda”, señala el documento difundido en la conclusión de la última jornada que tuvo lugar en la Casa de Colón.

Las conclusiones de las jornadas se plantean en voz alta si los espacios de patrimonio han tenido el protagonismo que se merecen dentro del desarrollo turístico, lo que se debe acompañar de esfuerzos en la conservación, en la investigación y en la puesta en valor de estos espacios. Según se recoge en el documento, “la pieza clave para este desarrollo futuro pasa por la gestión de audiencias, que incluye una concepción del museo abierto, dinámico, pensado para un público activo y donde se puedan desarrollar una amplia diversidad de experiencias y que se amplíe el uso de las nuevas tecnologías de la información y de las redes sociales (e-tourism y e-cultura)”.

“Por otra parte, también se trata de buscar equilibrios entre la gestión, la actividad turística, la conservación y la difusión del patrimonio (turista o visitante local). En definitiva, nos planteamos la capacidad de búsqueda de nuevos equilibrios entre el desarrollo turístico sostenible y la voluntad de recreación de una memoria viva. Coincidimos en que para que la sostenibilidad sea real debe incluir tanto aspectos económicos como culturales y educativos”, recogen la conclusiones.

Asimismo, los expertos señalan en la batería de conclusiones de las jornadas que “sería interesante profundizar en el análisis de lo que separa y lo que une el turismo y los museos, como determinados paralelismos que encontramos en el desarrollo histórico”. Los técnicos que han participado en las jornadas solicitan de las instituciones públicas “mayores esfuerzos en la inversión desde las distintas instituciones y, en concreto en museos, entre otros de potenciar la evaluación de públicos no sólo los actuales sino de los potenciales, dirigidos no sólo a medir impacto, sino a evaluar con anterioridad los posibles efectos disminuyendo así el elevado coste de montajes y planes de grandes dimensiones sin una planificación estratégica de conjunto previa”

Carmona: Presentado el Mosaico de Las Estaciones

Publicado en Andalucía Información

El Mosaico de las Estaciones, una de las piezas arqueológicas más importantes aparecidas en Carmona en los últimos años, ocupa uno de las principales salas del Museo de la localidad.En el acto de presentación del Mosaico ha participado el economista y escritor José Luis Sampedro, miembro de la Real Academia Española, autor de ‘La sonrisa etrusca’ y ‘La ciencia y la vida’ y nombrado recientemente Doctor Honoris Causa por la Universidad de Sevilla.

Sampedro ha destacado "la riqueza y belleza de la pieza arqueológica" y ha animado a continuar con la importante labor de recuperar el patrimonio de Carmona. En su discurso, el escritor ha hecho un símil entre los mosaicos y la sociedad, "en la que cada pieza, cada tesela, tiene valor en sí misma cuando se relaciona con las demás" y ha señalado la importancia de la educación que "permite a las personas unirse como piezas de un gran mosaico para que el resultado final sea armonioso". Al escritor lo ha acompañado el Alcalde de Carmona, Antonio Cano, la delegada municipal de Patrimonio Histórico, Mª Ángeles Iglesias, y el presidente de la Fundación Endesa, Jesús García, entidad que ha patrocinado la restauración de la pieza.

El acto sirvió también para presentar el programa de actividades que la Delegación Municipal de Patrimonio Histórico del Ayuntamiento ha puesto en marcha con motivo de la presentación del mosaico. Entre las actividades destaca un ciclo de conferencias sobre los mosaicos hallados en Carmona y, en concreto, sobre el de las cuatro estaciones así como visitas guiadas por arqueológocos a los mosaicos expuestos en la localidad.

La Delegación Municipal de Patrimonio Histórico programó también actividades para los más pequeños, con un concurso de cuentos que tiene como tema ‘El mosaico y la luz’ y un taller de mosaicos cuyos trabajos serán expuestos en el Museo de Carmona.El ‘Mosaico de las Estaciones’ fue hallado el pasado año durante unas obras de infraestructuras en el centro histórico y por sus dimensiones y colorido se cree que pavimentó una de las estancias importantes de una casa de alto nivel económico de la Carmona.

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Devuélveme el arte de mi país

Publicado en El País
Catalina Serra

Sólo medio centenar del millar de delicados bronces de Benin, datados entre los siglos XIII y XVI, pueden verse en Nigeria. El resto está repartido entre museos alemanes, británicos y estadounidenses. De hecho, el 95% del patrimonio cultural africano está fuera del continente.

Sólo medio centenar del millar de delicados bronces de Benin, datados entre los siglos XIII y XVI, pueden verse en Nigeria. El resto está repartido entre museos alemanes, británicos y estadounidenses. De hecho, el 95% del patrimonio cultural africano está fuera del continente. Fue robado, expoliado o, algunas veces, comprado, por las potencias coloniales. Gran parte de los tesoros artísticos o etnológicos de países en desarrollo, o incluso de potencias actuales como China o India, están en los grandes museos europeos o estadounidenses. Para ellos es un orgullo (y un negocio), pero para muchos de los países de origen de estas piezas es una humillación, y una merma en sus potenciales ingresos por el creciente turismo cultural. Las reclamaciones no han dejado de crecer en los últimos años. Pero, ¿de quién es el patrimonio? ¿Del país de origen? ¿Del país que las conserva y las ha valorado durante años?

Son legión los libros sobre este espinoso tema lleno de matices y pasiones encontradas. Pero, antes que nada, hay que distinguir entre el robo y el tráfico ilícito de obras de arte, por un lado, y por otro las demandas de devolución de piezas relevantes para la historia o la identidad de un país que son fruto del botín de guerra, el saqueo colonial o las compras dudosas realizadas a lo largo de los siglos.

A este segundo grupo pertenecen los bronces de Benin, que fueron incautadas en 1897 por los británicos en una expedición punitiva que destruyó el palacio real del entonces reino de Benin. Y también a este grupo pertenecen las dos cabezas de bronce que representaban animales del zodiaco que salieron a subasta el pasado 25 de febrero en la casa Christie's de París ante la indignación de las autoridades chinas, que intentaron infructuosamente que los tribunales franceses prohibieran la venta. Los dos bronces procedían del saqueo del Palacio de Verano de Pekín realizado en 1860 por un ejército franco-británico durante la Guerra del Opio.

Isabel Cervera, profesora en la Universidad Autónoma de Madrid, coincide con otros expertos en arte chino en que el interés artístico de estos dos bronces, datados en el siglo XVIII, "es relativo". "La reclamación es política", afirma. "Son el símbolo de una humillación y se trata de lavar la afrenta que les infringieron las potencias extranjeras. Su interés radica en su procedencia. Y esto ha sido así también para el coleccionista. En este caso, el valor de la pieza es su historia".

La subasta se hizo y los bronces se adjudicaron por 15,7 millones de euros a un coleccionista de Hong Kong, Cai Mingchao, que dos días más tarde se dio a conocer afirmando que se negaba a pagarlos por "patriotismo". La rocambolesca historia aún no ha terminado. La última noticia saltó esta semana cuando el presidente de la Asociación para la Protección del Arte Chino en Europa, Bernard Gómez, aseguró en Pekín que se estaba negociando la posibilidad de que empresarios franceses compraran los bronces para regalarlos después a China. Seguramente Francia no puede permitirse que un conflicto como éste se interponga en sus relaciones con la gran potencia asiática y se esperan nuevos movimientos. Veremos qué pasa.

Otras reclamaciones históricas bien conocidas están mucho más lejos de resolverse. Algunas tienen un valor simbólico, como el penacho de Moctezuma que reclaman los mexicanos y que está en el Museo Etnológico de Viena, y en otras su valor artístico es incuestionable, como la famosísima de los mármoles de Elgin. Cuando el próximo 20 de junio se inaugure el nuevo Museo de la Acrópolis, en Atenas, una de sus salas tendrá un gran espacio vacío reservado para estos famosos fragmentos del friso del Partenón que se encuentran en el Museo Británico de Londres y que Grecia reclama desde hace décadas. Se los llevó entre 1801 y 1805 Thomas Bruce, conde de Elgin (curiosamente su hijo fue quien ordenó el saqueo del palacio de verano de Pekín), que aprovechó su cargo como embajador británico ante el Imperio Otomano, potencia que ocupaba entonces Grecia, para conseguir los permisos para comprar y arrancar las esculturas.

Histórico también es el caso de bellísimo busto de Nefertiti que conserva el Museo Egipcio de Berlín y que, ahora ha quedado completamente probado, fue vilmente escamoteado por los arqueólogos alemanes en las excanaciones de Tell el Amarna al engañar en el reparto entonces legal. El jefe de la arqueología egipcia, Zahi Hawas, insiste infructuosamente en esta restitución, pero mientras tanto cosecha numerosos éxitos en la reclamación de piezas extraídas ilegalmente del país que localiza en colecciones y museos de todo el mundo y que consigue repatriar para envidia de muchos países africanos.

Pero no es lo mismo conseguir la devolución de una obra robada o exportada ilegalmente en los últimos años que conseguir el retorno de obras que salieron, muchas veces legalmente según las reglas de la época, hace más de un siglo de una zona que entonces ni siquiera era un país reconocido.

"Las demandas de restitución han existido siempre, especialmente desde la descolonización, pero ahora parece que han aumentado porque el impacto mediático es mayor", explica Luis Monreal, uno de los grandes expertos mundiales en patrimonio que actualmente dirige la agencia de Cultura de la Fundación Aga Khan. "El problema es que si no se demuestra que ha habido un tráfico ilícito en época reciente no tienen base legal. Por eso la Unesco se basa en el derecho moral y ético de los pueblos a tener su patrimonio".

Con este problema toparon las autoridades chinas. Las legislaciones nacionales difieren mucho de un país a otro y las convenciones internacionales al respecto son relativamente recientes. La de La Haya para proteger los Bienes Culturales en caso de Conflicto Armado es de 1954 (y por otra parte no ha sido, a la vista está, muy útil en los recientes conflictos de Bosnia, Afganistán o Irak) y la de la Unesco sobre las medidas para prohibir e impedir el tráfico de propiedades ilícitas es de 1970, fecha que en general marca la frontera entre lo que se puede y no se puede reclamar.
"Lo que es nuevo ahora es que se producen más demandas de restitución basadas en presiones políticas", añade Monreal, que considera que el único asidero legal que podían tener las autoridades chinas eran las normas que favorecen el reagrupamiento de conjuntos dispersos. "Es el caso del Partenón y podría ser el de los chinos. De todas maneras, los casos de estas vedettes del patrimono sólo se resolverán por la vía política, si algún día se resuelven".

Sí que ha habido casos de restituciones exitosas. Está el del obelisco de Aksum, que devolvió Italia a Etiopía en 2005 después de que le fuera arrebatado en 1937 por las tropas fascistas italianas. O la restitución que realizó la Universidad de Yale (Estados Unidos) a Perú de unas 350 piezas arqueológicas de Machu Picchu -llevadas en 1911 por el personaje en que se inspiró Indiana Jones, Hiram Bingham- en 2007, aún pendiente de nuevas entregas. Más simbólica fue la entrega a Grecia por parte de una universidad alemana de un pequeño fragmento del Partenón o la de una coleccionista sueca en 2006 de un fragmento del templo del Erecteion, en la misma Acrópolis. Este último caso es interesante porque implica al coleccionismo privado, el talón de Aquiles de las restituciones, que hasta ahora han afectado principalmente a los museos públicos o a grandes instituciones privadas estadounidenses. "En el caso de las obras en manos de propietarios privados, si el Estado quiere hacer el gesto de devolución tendrá que recompensar al propietario", explica Monreal, que no cree que las reclamaciones políticas acaben afectando mucho a los particulares.

Con todo, no está claro si el original sistema del coleccionista chino de obstaculizar la subasta de Christie's fue un golpe de efecto que puede tener consecuencias en el mercado. Para Eduard Planche, especialista en tráfico ilícito de la Unesco, "el boicot de ventas de objetos robados o exportados ilegalmente es seguramente una de las vías para debilitar el tráfico ilícito", si bien reconoce que en el caso de los bronces chinos la posición del organismo internacional, que no tiene capacidad sancionadora, ha sido cautelosa. En su comunicado oficial se reconocía que sus normas no tienen carácter retroactivo y sólo quedaba incentivar el retorno a través del Comité Intergubernamental para la Promoción del Retorno de Bienes Culturales a los Países de Origen, que ha realizado muchos informes y congresos pero ha conseguido escasos retornos.

"En general no hay miedo entre los coleccionistas privados porque esto afecta a un número de piezas muy reducido" indica el marchante de arte Edmund Peel, quien resalta que la repercusión mediática que han tenido las demandas de obras de arte confiscadas por los nazis, cuya restitución se basa en el delito de genocidio que no prescribe, han podido crear un clima social más favorable a las restituciones. "Hay sectores específicos del mercado que son complicados porque hay problemas con la historia de procedencia, y esto los profesionales lo sabemos. O andas con mucho cuidado o te abstienes".

La arqueología, reconoce, es uno de los ámbitos más complicados "porque la mayor parte de lo que hay en el mercado tiene un origen dudoso". De la misma opinión es el anticuario Artur Ramon, que asegura que es muy difícil comprobar si las obras arqueológicas han sido expoliadas o no porque "hay mafias muy raras en este campo que falsifican los documentos y están muy organizadas". Y es que el expolio arqueológico y el tráfico ilegal de antigüedades es una de las plagas que asolan el patrimonio cultural de todos los países. Algo se ha avanzado con un notable incremento legislativo tanto a nivel nacional como internacional, una mayor acción policial y un refuerzo de la deontología por parte de los profesionales de los museos. Y ha habido algunos casos sonados que han tenido un efecto ejemplar. La ex responsable de antigüedades del Museo J. Paul Getty de Los Ángeles, Marion True, ha tenido que comparecer ante los tribunales de Roma acusada de comprar piezas procedentes de excavaciones ilegales. Y en 2008, el Metropolitan Museum de Nueva York tuvo que devolver a Italia una de sus joyas, una crátera del pintor griego Eufronio, una vez se demostró que había sido sacada del país de forma ilegal.
Su entonces director, Philippe de Montebello, defiende que, en cualquier caso, no pueden aplicarse las leyes actuales de forma retrospectiva. Son legión los expertos, casi siempre anglosajones, que afirman que esto supondría vaciar estos museos "universales" y negar a millones de personas de todo el mundo el acceso a estas piezas que, aseguran, de no haber salido de sus países habrían sido destruidas. "Basta recordar lo que pasó con los budas de Bamiyán", apunta Artur Ramon, y Monreal, partidario de favorecer el retorno, reconoce que ha habido casos fallidos de obras devueltas que han acabado en el mercado negro. "No se puede resolver este problema", afirma, "si no se acompaña de ayuda técnica a estos países de origen para que puedan conservar su patrimonio".

Y en España, ¿qué?
Xanadú. El nombre de la mansión de Ciudadano Kane, la mítica película de Orson Welles, viene a la mente cuando uno piensa en el expolio del arte español. No porque William Randolph Hearst, el magnate en el que se inspiró el filme, fuera en sí mismo un expoliador, aunque, por lo que se sabe, sí pagaba algo por las obras de procedencia dispar, y se llevó muchísimas. La imagen viene porque los planos del filme en el que aparecen las inmensas galerías de su mansión llenas de esculturas, pinturas, objetos y sobre todo monasterios, claustros y porticadas trasladadas, piedra a piedra, desde Europa dan cuenta del calibre del trasvase del arte europeo a las grandes colecciones americanas en el periodo de entreguerras, que fue cuando se formaron la mayoría de estos grandes museos, como el famoso Cloisters de Nueva York.

El estudioso Francisco Fernández Pardo, autor de la monumental Dispersión y destrucción del patrimonio artístico español, que cuenta con cinco tomos, considera que gran parte de estas piezas habrían salido ilegalmente de España sin que las autoridades del momento hicieran mucho por evitarlo o por impedir su venta. “Se sabía que las obras salían a la venta porque se publicaban en catálogos o incluso, dada la fama de algunos de sus compradores, en la prensa, pero no se hizo nada por evitarlo”. “El brazo de la ley en España siempre fue ineficaz ante estas reclamaciones”, señala Fernández de Pardo.

Para el estudioso, la Guerra de la Independencia, “en la que los pretores napoleónicos se cobraron su botín de guerra en España en forma de cientos de pinturas de nuestros mejores maestros” es uno de los grandes momentos de saqueo por motivos bélicos, seguido de las estratagemas de lord Wellington para hacerse en 1814 con el cargamento de obras de arte que José I habría perdido en la batalla de Vitoria. Entre estas piezas, que Bonaparte intentaba sacar de España y que finalmente Fernando VII “regaló” a Wellington figuraba, por ejemplo, El aguador de Sevilla de Velázquez.

La destrucción del patrimonio debido a las guerras fue enorme, pero también hubo un expolio más sutil realizado no sólo por los extranjeros sino también por españoles —desde aristócratas a pequeños párrocos— que contribuyeron a la venta ilegal o no autorizada de muchas de estas obras históricas que después han engrosado las colecciones de muchos de los grandes museos occidentales.

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Regreso a la Prehistoria en Benalup

Publicado en El País
Pedro Espinosa

Hace miles de años ya sonaba la música. Un silbato fabricado con huesos llamaba a la tribu, pero también ponía ritmo a la mañana. Y se podía acompañar con un tambor hecho con piel o con una ocarina de madera. Que la Prehistoria tenía banda sonora es una de las muchas lecciones que se pueden adquirir en el Centro de Interpretación del Cádiz Prehistórico, que acaba de abrir sus puertas y que estos días expone las diferentes formas de vida de la antigüedad. La muestra enseña la vida cotidiana de nuestros ancestros en 11 rápidas miradas.

El nuevo centro ha salido adelante gracias a fondos europeos gestionados por el Ayuntamiento de Benalup, donde se ubica el nuevo espacio expositivo, y la Diputación gaditana. En la calle Huelva se han reservado 1.100 metros cuadrados distribuidos en tres plantas, destinadas exclusivamente a repasar las formas de vida de los antepasados cavernícolas. No es un museo al uso, por que cada estancia, cada rincón, permiten la actuación interactiva del visitante.

Hay recreaciones audiovisuales que el público puede elegir. Existen efectos especiales para viajar en el tiempo hasta las cuevas prehistóricas donde quedaron las muestras de arte rupestre. Son réplicas de las pinturas que se encuentran en el Tajo de las Figuras, cercanas a la Laguna de la Janda. También hay una maqueta del pozo del Jadramil, de Arcos, otro vestigio prehistórico que sobrevive en la provincia de Cádiz.

Hay menciones a los utensilios hasta el Neolítico. Un repaso por los alimentos. Explicaciones detalladas de los cultivos y la caza con una cuidada comparación con el contenido de las neveras de hoy. Un monográfico dedicado al fuego y un paseo por los ritos funerarios. El recorrido es también sonoro. En algunas salas suenan la ocarina, el silbato o el tambor. Es el ritmo de la historia, instantes sonoros custodiados en esta nueva máquina del tiempo recién estrenada en Benalup.

Noticia completa en El País

Más información, en la web del Centro de Interpretación del Cádiz Prehistórico

El Arqua edita la primera guía de arqueología marina ibérica

Publicado en La Verdad
S. Mendoza

Valorar la historia marítima de la Península es el objetivo con el que se ha editado el libro Ruta del patrimonio arqueológico marítimo de España y Portugal. La guía, presentada ayer en Cartagena, se enmarca dentro de los objetivos del programa ArcheoMed, en el que participan el Museo Nacional de Arqueología Subacuática (Arqua), junto a centros de arqueología náutica y subacuática de otros seis países europeos y africanos.

El libro ha sido editado por el Arqua en colaboración con el Centro Nacional de Arqueología Náutica y Subacuática de Portugal y los centros de Arqueología Subacuática de Cataluña y Andalucía

El responsable del proyecto ArcheoMed, Francesco Gravina, explicó que esta publicación pretende recoger la importancia de la historia marítima, desde la antigüedad hasta ahora, por su trascendencia. «Merece la pena resaltar los monumentos y los recursos históricos que quedan y que no se perciben adecuadamente», añadió.

El director del Arqua, Rafael Azuar, dijo que «es la primera vez que se reúne en una publicación información sobre todas las instituciones que están vinculadas al patrimonio subacuático y los museos que conservan parte de estos recursos que se encuentran dispersos por toda España». Al recoger en un libro todo el patrimonio subacuático peninsular se evita, según Gravina, el «riesgo de dispersión».

Sobre el proyecto internacional, Gravina resaltó que pretende «poner en valor a las instituciones, centros de conservación y museos que cooperan, para compartir conocimientos mediante acciones concretas y limitadas por el tiempo, las personas y el dinero».

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La lápida de Husillos regresa a Palencia y aporta información histórica del siglo XI

Publicado en Soitu

Palencia.- La lápida de Husillos fechada en el siglo XI ha regresado a Palencia para contribuir al conocimiento del periodo histórico correspondiente al reinado de Fernando I y servir de soporte a futuras investigaciones sobre la Abadía de Santa María de Husillos (Palencia) y sobre el románico palentino.

La consejera de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León, María José Salgueiro, ha depositado hoy en el Museo Arqueológico de Palencia la denominada "Placa de Husillos", una pieza singular dentro de la epigrafía medieval de Castilla y León, con una inscripción visigótica que los estudiosos atribuyen a la refundación de la Abadía de Husillos.

Salgueiro ha destacado la importancia de esta pieza, adquirida en marzo de 2008, por un valor de 36.000 euros en una casa de subastas de Madrid, así como su "gran relevancia y valor histórico y cultural".

Además de aportar información "novedosa" sobre los orígenes de la Abadía de Husillos, la lápida, que data del año 1039, contribuye a un mejor conocimiento de la historia y la situación del Reino en la época de Fernando I y sus relaciones con la dinastía de Navarra.

En opinión de la consejera, esta pieza, que no ha tenido que ser restaurada porque se encuentra en muy buen estado de conservación, es "un factor clave de la historia de Palencia y de Castilla y León".

La inscripción hecha sobre piedra caliza en la tipografía visigótica usada hasta el año 1.100, hace referencia a la refundación por el abad Munio de la Abadía de Husillos en 1039, en tiempos del Obispo Bernardo, segundo obispo de Palencia.

Se trata de una pieza "rarísima" ya que existen en España muy pocos epígrafes con este tipo de letra, ha señalado Salgueiro.

Además da pistas sobre la posible vinculación de esta abadía al patrocinio real, en la persona de Don García el de Nájera, hijo de Sancho el Mayor de Navarra y sucesor suyo en el trono de Pamplona.

Por ello puede ayudar a resolver problemas históricos sobre la situación del reino castellanoleonés en época de Fernando I y sus relaciones con la dinastía de Navarra, además de ilustrar el momento histórico entorno a la refundación de la Diócesis palentina por Sancho el Mayor de Navarra y el papel jugado por este rey sus sucesores, ha insistido.

Por motivos de seguridad, la lápida se conservará en el Museo Arqueológico de Palencia, a unos once kilómetros de Husillos, donde en el siglo X fue erigido el monasterio de Santa María.

Aunque no se conoce con exactitud el origen de esta abadía, se cree que fue fundada en el año 960 por el cardenal romano Don Raimundo y durante siglos se convirtió en un centro de peregrinación muy importante por las numerosas reliquias que guardaba.

Noticia en Soitu

«Para ser un buen arqueólogo te tiene que gustar el campo»

Entrevista a Emiliano Hernández Carrillo, Director del Museo Arqueológico Municipal de Jumilla por Manuel Herrero.

Publicada en La Verdad

Emiliano Hernández es hombre de peso. De peso en sabiduría, paciencia y humor. Pertenece a la primera promoción que la Universidad de Murcia sacó a la calle de arqueólogos, y él se fue para su pueblo, Jumilla, ya con el título bajo el brazo. Es arqueólogo municipal y además dirige el museo de la villa, pero si tiene que llevarle a hacer la vendimia y después pasearle en las carrozas en pleno mes de agosto no tiene problemas. Eso sí, siempre y cuando no le coincidan con los Seminarios Nacionales de Etnografía, pues pertenece al equipo organizador. Ha publicado el libro Palabras de calle, referido al palabrero de Jumilla, y ha sido considerado como Personaje de Lustre por LŽAjuntaera.

- ¿Por qué tiene el nombre de Jerónimo Molina este museo?

-Le llamamos así simplemente en homenaje a su fundador. El se dedicó intensamente a trabajar como arqueólogo; nació en este pueblo y además de ser una persona muy polifacética dedicó prácticamente toda su vida a montar el museo, en el año 1956 abrió sus puertas; y es el tercero que se puso en marcha en la Región de Murcia.

-¿Ha escuchado alguna vez eso de que todo esto son piedras viejas?

- ¡Por supuesto! Lo dicen con frecuencia; e incluso cuando van de visita al mismo yacimiento; ahora que yo les pregunto ¿hay alguna piedra que sea nueva?

- ¿Cuál es el elemento u objeto que más atrae a los visitantes?

- El Pilar-Estela de los Gineta, de Coimbra Barranco Ancho. Se encontró en el año 1981 y es el único monumento funerario de época ibérica; es decir de la primera mitad del siglo IV antes de Cristo y es el único que tiene grabadas las cuatro caras en altorrelieve; es equivalente, por la época y la forma de construcción, a la Dama de Elche. Es el objeto de mayor valor que tenemos.

- ¿Qué es lo más curioso del museo?

- Desde el punto de vista de los materiales más curiosos por su rareza y además por lo bonito que es se encuentra en el mismo suelo y lo pisa la gente, eso es lo que precisamente hace que les llame la atención; y se trata de unos mosaicos de la Villa de los Cipreses, del siglo III después de Cristo. El estar pisando exactamente lo mismo que hace más de dos mil años pisaron los romanos les atrae a los visitantes de forma peculiar.

- Visitas escolares. Viajes programados o el placer de contemplar el pasado del pueblo donde se vive ¿qué es lo que más prima?

- Aquí llegan colegios de toda la Región; y por su ubicación geográfica, también de Albacete y de Alicante. Las visitas programadas también tienen su atractivo. También tengo que señalar que en la planta baja se encuentra el taller del arqueólogo: uno va pisando un suelo de cristal transparente y puede contemplar a sus pies cómo se trabajan las piezas, los materiales que se usan y cómo se reconstruyen las obras.

- ¿Qué hace falta para ser un buen arqueólogo?

- En primer lugar, que te guste el campo, vamos que te guste pisar tierra y montaña haga frío o calor, el tener ganas de aprender con la experiencia y luego ganas también de leer mucho, de investigar. Se dice que todas las comparaciones son odiosas, si bien en arqueología es obligatorio hacer comparaciones con otras investigaciones, otros elementos similares que se hayan encontrado en otro lugar; es decir, hay que comparar para hacer un análisis lo más perfecto posible.

- En muchos lugares me han dicho que usted es como un Indiana Jones, pero no de cine, sino de pueblo ¿por qué?

- [Ríe a carcajadas] No sé de dónde le podrán haber llegado a usted esa información, pero lo cierto es que me gusta meterme en todos los follones, también en las cuestiones más difíciles de lograr, y a veces me paso horas enteras detrás de un tema para llegar a comprenderlo en su totalidad.

Entrevista completa en La Verdad

Un museo con miga

Publicado en El Viajero
Patricia Gosálvez

Afalta de pan, buenas son tortas", dice el refranero, pero no se lo cree nadie. Del "pan nuestro de cada día" al "buen hambre no hay pan duro", el alimento básico se moja en la religión y la cultura popular española, pasando, claro, por la gastronomía. De todo ello -la mesa, la masa y la misa- trata el nuevo Museo del Pan de Mayorga (Valladolid).

En plena Tierra de Campos, océano de cereales, el museo surge como una iniciativa para dinamizar el turismo rural en una zona cada vez más despoblada. Tras una inversión de 3,5 millones de euros y una obra varias veces alargada, el museo se inaugurará finalmente en febrero de este año.

Arquitectónicamente consiste de un edificio nuevo anexo a la iglesia de San Juan, ahora restaurada, que acoge parte de la exposición permanente, la tienda, el obrador y el aula didáctica. Es decir, la parte más práctica del conjunto, la de "las manos en la masa". En el obrador y el aula, panaderos en activo darán clases magistrales sobre cómo hacer gloria con harina, agua, sal y levadura. Afortunadamente, hay también una sala de degustación para catas.

En la parte moderna, proyectada en hormigón para recordar a la masa y los moldes, se encuentra la historia del pan contada en varios pisos y en sentido descendente. Así en la tercera planta, dedicada a los cereales, se puede ver cómo crece una gramínea y contemplar qué granos se siembran en diferentes partes del mundo.

La segunda planta está dedicada a la transformación del grano en harina, es decir, a los molinos. Movidos por el viento, las mareas o los ríos, planos como los de Juanelo Turriano o verticales como los persas. Ingenios de la mecánica que se pueden emular con poleas y presas dispuestas para los turistas.

Más abajo, la planta de la panificación arranca en el neolítico y acaba en una tahona del siglo XX, porque el pan se comía en las cuevas, bajo las pirámides egipcias y en las villas romanas.

Al final del recorrido histórico, otro más sentimental sigue el rastro del pan en la cultura popular. Los refranes, los poemas, las canciones. El pan como protagonista de cientos de anécdotas (como el "¡Que coman pasteles!", que soltó María Antonieta ante el pueblo hambriento de hogazas); y también, humilde estrella de más de un milagro y en todas las religiones. Bien merecía un museo el pan entonces, porque existen alimentos más suculentos, sin duda, pero la carencia de ninguno, que se sepa, consigue que los días sean tan largos.

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En el Museo de Arte Sacro de Teruel

Publicado en Aragón Digital
Laura Mucientes Román

Ordenar las obras por su función religiosa y no artística es la apuesta de Pedro Luis Hernando, director del Museo de Arte Sacro de Teruel. Esta galería recibe unos 50.000 visitantes al año y están expuestas alrededor de 250 obras divididas entre esculturas, pinturas y elementos orfebres.

El museo de Arte Sacro de Teruel está compuesto por cinco salas y están ordenadas siguiendo el Antiguo y Nuevo Testamento. La primera estancia comienza por la creación y a continuación se pueden observar obras de San Juan Bautista, San Joaquín y Santa Ana, y por último, la Virgen.

La segunda sala está dedicada a la vida de Cristo, desde su nacimiento, epifanía pasando por todas las escenas de la pasión, muerte y resurrección. La tercera estancia está destinada a los santos y mártires, que viene a simplificar la actitud de estos personajes. La cuarta galería rinde homenaje a la eucaristía que sería el recuerdo mediante la misa de todo lo que Jesucristo enseñó y que aparece en los evangelios.

Por último, la quinta sala se sale un poco del patrón ya que está dedicada a los conventos y monasterios de la provincia. Cuando se cerró el monasterio de Báguena y el de Gea de Albarracín, las monjas cedieron las mejoras obras al museo.

El director del museo es Pedro Luis Hernando y está muy satisfecho con los resultados desde que se unió la entrada de la catedral con el museo porque “hablamos de unos 50.000 visitantes al año por lo que no tiene nada que envidiar a otras galerías de Aragón u otros museos diocesanos de España”.

Las líneas de trabajo que tiene el museo a corto plazo son la realización de una guía, para que la gente pueda saber con exactitud que está viendo, seguir trabajando en la página web para darle más contenidos y seguir con la política de exposiciones, “el objetivo es realizar cuatro muestras al año con los materiales que tenemos custodiados en el almacén”, ha declarado el director.

Un objetivo a largo plazo sería la colaboración con el Museo de la Semana Santa que está previsto que abra sus puertas en el año 2010 como afirmó el alcalde de Teruel, Miguel Ferrer, ya que a juicio de Pedro Luis se podría complementar con piezas que están en el museo.

En cuanto a artistas con nombre, la colección alberga una serie de obras del pintor valenciano Antonio Bisquert, que destacan por su calidad pictórica. Su técnica se puede admirar en los cuadros de la Inmaculada, Santa Teresa de Jesús, San Juan Evangelista o el Anuncio a los pastores. Gracias a una donación de cinco terracotas el museo cuenta con otro autor importante, el escultor Mariano Benlliure.

"El árbol de la vida"

El museo se encuentra ubicado en el Obispado de Teruel y para entrar hay que atravesar un patio cuyo suelo es la antigua madera que había en la nave central de la catedral. En la entrada, los visitantes pueden observar unos azulejos que pertenecen a la cerámica de Manises del siglo XVIII.

En la planta baja se encuentra una de las mayores joyas que tiene este museo, “El árbol de la vida”, que fue traído de Filipinas en el siglo XVII. El Cristo y los medallones están realizados en marfil y la madera está policromada. La obra perteneció a las Dominicas de Albarracín y en opinión de Pedro Luis llama la atención por los detalles que tiene la obra pues “parece que han trabajado con herramientas finísimas”.

Otra de las obras importantes que alberga este museo es la “Virgen de la Misericordia”, una tabla gótica realizada en el siglo XV. En el cuadro están representados los siete pecados capitales y lo más importante del cuadro, a juicio de Juan Antonio Alpuente, consejero del museo, es que la Virgen con su manto protege a todo el conjunto de la sociedad, desde los reyes, obispos, hasta los simples ciudadanos.

En cuanto a la escultura medieval, en la primera sala podemos contemplar tres imágenes románicas de la Virgen con el Niño que son los mejores ejemplos que existen en la provincia de Teruel.

En la sala dos podemos observar el conjunto del Calvario procedente de la parroquia de San Pedro del Sarrión. Esta obra está realizada en madera de sabina y se descubrió gracias a unos niños que estaban jugando en la zona.

La sala del trono

En la planta superior se pueden apreciar varias obras que pertenecen a la pintura medieval. Un ejemplo es “Santa Catalina” que está atribuida a Lorenzo Zaragoza, un pintor de la corte de Pedro IV. En este cuadro se pueden apreciar algunas características del arte medieval turolense que se encuentra entre dos focos de producción artística de primer nivel como son los talleres de Zaragoza y Valencia.

La orfebrería es uno de los elementos característicos de este museo y la mayor parte se encuentra en la Sala del Trono que era la estancia de representación del obispo. Según el director del museo esta estancia es la más rica del museo y es donde se han colocado todos los elementos relacionados con la eucaristía. Asimismo, se pueden contemplar las cruces procesionales como la “Cruz de Torrijas”, del siglo XIII, que es la más antigua de la provincia.

Otra pieza llamativa es un cofre realizado en el taller de los hermanos Embriachi en Florencia. Está realizado en marfil y según los estudios se trata de un cofre amatorio que se regalaba en los matrimonios entre personajes de la nobleza.

El Museo de Arte Sacro de Teruel alberga una gran colección en cuanto a pintura y escultura medieval, sin olvidar la orfebrería, donde se puede contemplar gran parte del patrimonio turolense ya que según su director “hay cosas más interesantes de las que se creía”.

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Más información en la Web del Museo de Arte Sacro de Teruel